What is a Talent?

What is a Talent

It is believed that talented is a person who can do things unusual for ordinary people. Everything is easy for a talented person, but difficult or impossible for everybody else. If someone is outside this circle he thinks he lacks the magic to get in.

Here is a list of definitions: It is a characteristic one is born with, but it has to be cultivated. It is the ability for achieving his goals. It is a natural capacity to do things. Of course all these have to go together, since very little can be done with only the natural capacity. Talent is a potential, but not a guarantee that he will succeed. Don’t think however that you can test his talent; it is a matter of experience and faith. What counts most is his wish to do something and believe he can do it. A talent ought to pursue his goals with persistence, patience, practice and creativity. He mustn’t be disappointed easily and mustn’t forget that Pisasso started selling when he was 59 years old. A French philosopher said “Talent is long patience”.

Τι είναι ένα ταλέντο

Γενικά θεωρείται ότι ταλέντο είναι ένα άτομο που μπορεί να κάνει ασυνήθιστα πράγματα για τους συνηθισμένους ανθρώπους. Όλα είναι εύκολα για αυτόν, αλλά είναι δύσκολα, ή αδύνατα για όλους τους άλλους. Εάν κάποιος είναι έξω από αυτό το κύκλο νομίζει ότι δεν έχει το μαγικό τρόπο να μπει μέσα.

Παρακάτω είναι μία λίστα από ορισμούς: Το ταλέντο είναι ένα χαρακτηριστικό με το οποίο γεννιέται κάποιος, αλλά αυτό πρέπει να καλλιεργηθεί. Είναι η ικανότητα να πετυχαίνει τους στόχους του. Είναι ακόμη η φυσική ικανότητα να κάνει κάποιος διάφορα πράγματα όπως ζωγραφική, γλυπτική, ή μουσική . Όλα αυτά τα στοιχεία πάνε μαζί, αφού πολύ λίγα πράγματα μπορούν να γίνουν με μόνο τη φυσική ικανότητα. Το ταλέντο είναι μία δυναμικότητα, αλλά όχι η εγγύηση ότι θα πετύχει. Μη νομίζετε όμως ότι μπορείτε να ελέγξετε το ταλέντο του, επειδή είναι θέμα εμπειρίας και πιστεύω. Αυτό που μετράει ωστόσο είναι η επιθυμία του να κάνει κάτι και να πιστεύει ότι μπορεί να το κάνει. Οφείλει να επιδιώκει τους στόχους του με επιμονή, υπομονή, εξάσκηση και δημιουργικότητα. Δεν πρέπει να απογοητεύεται εύκολα, και μη ξεχνάτε ότι ο Πικάσο άρχισε να πουλά μετά τα 59 του χρόνια Ένας Γάλλος φιλόσοφος είπε κάποτε « Το ταλέντο είναι μία μεγάλη υπομονή»

Greek beauty by Laskaris Charalampos

Oil on canvas 70-80 cm

My e- mail : laskarischarles584@gmail.com

My favorite sites:

www.fineartamerica.com/laskaris-Charalampos

www.artwanted.com/laskarisart

www.jimvlachos.blogspot.com

www.grammiki.gr

Cubism

Cubism The key role in the creation of cubism is Picasso’s interest in non-Western sculpture specifically Afro sculpture. Picasso’s proto-cubist works, such as Les Demoiselles D’Avinion (1907) displayed his interest in both African art and ancient Iberian art and architecture. Picasso and Braque developed cubism between 1907 and 1914, creating the most influential style of the modern period. In cubism, the flat, two-dimensional surface of the picture plane is emphasized, and traditional perspective, modeling and chiaroscuro (contrast of light and dark) are rejected. In its first phase, called Analytical Cubism, artists were concerned with breaking down and analyzing form. The aim of Cubism is to distil the depiction of form by showing several sides of the object simultaneously. This resulted in the radical fragmentation of objects into cube-like elements. To emphasize further the abstract nature of the composition, the use of monochrome was favoured.

Its second phase, generally called Synthetic Cubism, grew out of experiments with collage. Materials such as wood, newspaper, photographs or feathers were pasted on to the picture in combination with painted surfaces. Although shapes remained fragmented and flat, colour played a strong role in synthetic cubism, and the works are more decorative. Other leading artists of Cubism, who created personal modifications of it, were Leger, and Duchamp. Several Italian artists notably Severini, and Balla worked in the cubist style but called their movement Futurism; among other things, they were concerned with expressing motion in art through the repetition of lines and images.

Cubism was also crucial to the development of non- figurative representation, or abstract art. In Germany, Kandinsky painted semi-abstract and abstract pictures containing references to nature and music. Russian artists were aware of Cubism through a few outstanding private collections in Moscow and evolved a different, geometrically constructed abstract art. Malevich , a devout Christian mystic painted a black square on a white ground, naming his personal abstractions Suprematism. Other Cubist-inspired Russian painters, known as Constructivists, were Popova ,Tatlin and others.

Κυβισμός

Κυβισμός

Ο κύριος λόγος για τη δημιουργία του κυβισμού ήταν το ενδιαφέρον του Πικάσο για τη μη Ευρωπαϊκή γλυπτική και συγκεκριμένα την Αφρικανική. Τα πρώτα κυβιστικά έργα που Πικάσο, όπως οι Δεσποινίδες της Αβινιόν (1907), έδειξαν το ενδιαφέρον του για την Αφρικανική όπως και την αρχαία ιβηρική γλυπτική. Ο Πικάσο και ο Μπρακ ανέπτυξαν τον Κυβισμό μεταξύ του 1907 και του 1914 δημιουργώντας το πιο κυρίαρχο στυλ της μοντέρνας περιόδου. Στον Κυβισμό, το επίπεδο, και η δυσδιάστατη επιφάνεια του πίνακα παίζουν βασικό ρόλο ,ενώ η παραδοσιακή προοπτική, το ποζάρισμα και το Κιαροσκούρο( η αντίθεση φωτός και σκιάς) απορρίπτονται. Στην πρώτη του περίοδο, που ονομάζεται Αναλυτικός Κυβισμός, οι καλλιτέχνες έσπαζαν την εικόνα και ανέλυαν τη φόρμα. Ο σκοπός του κυβισμού ήταν να διυλίζει την απεικόνιση της φόρμας και να δείχνει αρκετές πλευρές του αντικειμένου ταυτόχρονα. Αυτό είχε σαν συνέπεια μία δραστική διάσπαση των αντικειμένων σε στοιχεία που μοιάζουν με κύβους. Για να δώσουν έμφαση στην αφηρημένη φύση της σύνθεσης , έδειχναν προτίμηση στις μονοχρωμίες.

Η δεύτερη φάση του, γενικά ονομάζεται Συνθετικός Κυβισμός, και προέκυψε από πειράματα κολλάζ. Υλικά όπως ξύλο, εφημερίδες, φωτογραφίες και πούπουλα κολλιόταν επάνω στην εικόνα σε συνδυασμό με ζωγραφισμένες επιφάνειες. Αν και τα σχήματα παρέμεναν διασπασμένα και επίπεδα, το χρώμα έπαιζε ένα σημαντικό ρόλο στο Συνθετικό Κυβισμό, και τα έργα είναι περισσότερο διακοσμητικά. Άλλοι σημαντικοί ζωγράφοι του κυβισμού, που δημιούργησαν προσωπικές προσαρμογές σ’αυτόν, ήταν ο Λεζέ και ο Ντουσάμπ. Αρκετοί Ιταλοί καλλιτέχνες και συγκεκριμένα ο Σεβερίνι και ο Μπάλα ζωγράφιζαν με το στυλ του κυβισμού, αλλά ονόμαζαν το κίνημα τους Φουτουρισμό. Ανάμεσα σε άλλα πράγματα, ενδιαφερόντουσαν να εκφράσουν την κίνηση στην τέχνη μέσα από την επανάληψη των γραμμών και των εικόνων.

Ο Κυβισμό ήταν επίσης κρίσιμος για την ανάπτυξη της μη παραστατικής, ή αφηρημένης ζωγραφικής. Στη Γερμανία, ο Καντίνσκυ ζωγράφιζε αφηρημένους πίνακες με αναφορές στη φύση και τη μουσική. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες ήταν ενήμεροι για το κίνημα του Κυβισμού μέσα από κάποιες συλλογές που εκτέθηκαν στη Μόσχα, και ανέπτυξαν μία διαφορετική αφηρημένη τέχνη σε γεωμετρικό στυλ. Ο Μάλεβιτς, καλλιτέχνης ευσεβής και μυστικιστής, ζωγράφισε ένα μαύρο τετράγωνο σε άσπρο φόντο, ονομάζοντας τις προσωπικές του αφαιρέσεις Σουπρεματισμό. Άλλοι Ρώσοι καλλιτέχνες που εμπνεύστηκαν από τον Κυβισμό, γνωστοί ως Κονστρουκτιβιστές ,ήταν ο Πόποβα, ο Τατλίν και άλλοι.

The pickle store by Laskaris Charalampos

Created in 2009 Size 60-80 cm

E-mail: laskarischarles584@gmail.com

My favorite sites

www.syzosa.gr

www.fineartamerica.com/laskaris-charalampos

www.grammiki.gr

Bouguereau's Art in the 20ieth century

Bouguerau’s Art in the 20^th century

The graduates of the schools of Fine Art all over the world never heard in these last few decades the name of Bouguereau, the most important painter of the late 19^th century according to the viewpoint of Monet and Degas. This great artist, as president of the Paris school of Fine Art and the Paris Salon, opened the faculty for the women artists and swept all the awards wherever there was an art contest. However, in the 20ieth century, the propaganda against Academic painting became so violent that the young artists had either to condemn it, or attend the school from the window. They learned to reject beauty, the influence of composition, drawing, value and atmospheric mood. Academic painting is bad by definition, because it uses human figures, theme, a story to tell and objects from the real world. If an artwork is created by a famous modern artist, it is automatically considered a masterpiece. If an art lover doesn’t seem to estimate its grandeur, he is certainly lacking intelligence.

Under such pressure the students of the schools of Fine Art find greatness in every modern piece of art. They are taught that the paintings of Bouguereau, Leighton and Gerome are bad by definition. It is ironic that the people, who speak of freedom of expression, are trying to prohibit the figurative artists from painting realistically. This affluent visual language doesn’t have eyes to watch it. It doesn’t mean of course that all realistic art is inspiring. Nevertheless figurative art has more sense than modern art, which asserts that the canvas is flat and one doesn’t need skill or technique to be a modern artist. It is therefore defined that non art is art, and consequently figurative art is not real art. Nothing of what is created must have shape or design. According to critics Bouguereau copied earlier painters. Painting, like everything else, was not created by parthenogenesis. Only if you conquer the knowledge of past and add your own knowledge, can you make steps forward. The great Academic masters knew perfectly the techniques of the masters of past. With the accumulated knowledge, they created an avalanche of new themes and masterpieces.

Soon after his death early 20ieth century, the works of Bouguereau fell very low in the stock market of art. When however, the American museums bought most of his masterpieces at very low prices, their value rose again sharply, and now they are estimated at millions of dollars.

Η Τέχνη του Μπουγκερώ τον 20ο αι

Η τέχνη του Μπουγκερώ στον 20^ο αιώνα

Οι απόφοιτοι της σχολών τέχνης σε όλο τον κόσμο δεν άκουσαν ποτέ τα τελευταία χρόνια το όνομα του Μπουγκερώ, που ήταν ο σπουδαιότερος ζωγράφος του 19^ου αιώνα κατά την άποψη των Μονέ και Ντεγκά. Ο μεγάλος αυτός ζωγράφος σαν πρόεδρος της Ακαδημίας του Παρισιού και του Σαλόν ,άνοιξε για πρώτη φορά τη σχολή Καλών Τεχνών στις γυναίκες, και σάρωνε όλα τα βραβεία σε κάθε διαγωνισμό ζωγραφικής. Ωστόσο τον 20^ο αιώνα η προπαγάνδα εναντίον της Ακαδημαϊκής ζωγραφικής έγινε τόσο βίαιη που οι νέοι καλλιτέχνες έπρεπε ,ή να την καταδικάζουν, ή να βλέπουν τη σχολή από το παράθυρο. Έμαθαν να απορρίπτουν την ομορφιά, την αλληλεπίδραση της σύνθεσης, του σχεδίου, της τονικότητας και της ατμοσφαιρικής διάθεσης. Η Ακαδημαϊκή ζωγραφική είναι εξ ορισμού κακή, επειδή χρησιμοποιεί τις ανθρώπινες φιγούρες, θέμα, ή ιστορίες και αντικείμενα από τον πραγματικό κόσμο. Εάν ένα έργο δημιουργηθεί από ένα μεγάλο μοντέρνο ζωγράφο, θεωρείται αυτόματα σπουδαίο. Εάν ο θεατής δεν διαπιστώσει αυτό το μεγαλείο, στερείται σίγουρα ευφυΐας.

Κάτω από μια τέτοια πίεση οι σπουδαστές τέχνης βρίσκουν μεγαλείο σε ότι μοντέρνο βλέπουν. Διδάσκονται λοιπόν ότι τα έργα των Μπουγκερώ, Λέιτον και ο Ζερόμ είναι εξ ορισμού άσχημα.

Είναι ιδιαίτερα ειρωνικό ότι άνθρωποι που μιλούν για ελευθερία, προσπαθούν να στερήσουν από τους παραστατικούς ζωγράφους το δικαίωμα να ζωγραφίζουν ρεαλιστικά. Η πλούσια αυτή οπτική γλώσσα δεν έχει θεατές που να την βλέπουν. Δεν σημαίνει όμως ότι όλα τα ρεαλιστικά έργα είναι εμπνευσμένα. Παρόλα αυτά η παραστατική ζωγραφική έχει περισσότερο νόημα από τη μοντέρνα τέχνη που ισχυρίζεται ότι ο μουσαμάς είναι επίπεδος και δεν χρειάζεται ικανότητα, ή τεχνική για να είσαι καλλιτέχνης. Ορίζεται λοιπόν ότι η μη τέχνη είναι τέχνη και κατά συνέπεια η παραστατική τέχνη δεν είναι τέχνη. Οι μοντέρνοι καλλιτέχνες λέγεται ότι πρέπει να δημιουργούν κάτι εξ ολοκλήρου πρωτότυπο. Τίποτε από αυτά που δημιουργούν δεν πρέπει να έχει φόρμα, ή σχήμα. Κατά τους κριτικούς ο Μπουγκερώ αντέγραψε παλαιότερους ζωγράφους. Η ζωγραφική όμως όπως κάθε τι άλλο, δεν προέκυψαν από παρθενογέννηση. Μόνο εάν κατακτήσεις τις γνώσεις του παρελθόντος, μπορείς να προσθέσεις κάτι δικό σου και να προχωρήσεις μπροστά. Οι μεγάλοι ακαδημαϊκοί δάσκαλοι γνώριζαν τέλεια τις τεχνικές των μεγάλων ζωγράφων και με βάση αυτές δημιούργησαν μια χιονοστιβάδα θεμάτων. Τα επιτεύγματα του 17^ου αι. κτίστηκαν πάνω στα επιτεύγματα της όψιμης Αναγέννησης και η τελευταία στηρίχτηκε στην πρώιμη Αναγέννηση.

Τα έργα του Μπουγκερώ στο χρηματιστήριο της τέχνης έπεσαν σε πολύ χαμηλά επίπεδα, όταν όμως τα Αμερικανικά μουσεία τα αγόρασαν σε πολύ χαμηλές τιμές η αξία τους έπιασε αυτό που πάντοτε άξιζαν, και τώρα πλέον τιμώνται σε εκατομμύρια δολάρια.

Byzantine hagia Sophia By Laskaris Charalampos

My E-mail : laskarischarles584@gmail.com

My favorite Sites www.syzosa.gr

www.fineartamerica.com/laskaris-charalampos

www.artwanted.com/laskarisart

Facebook : Charalampos Laskaris

How to promote your art

Art Marketing Tips

Marketing for artists isn’t different from any other kind of marketing. You are simply promoting a product and, along with it, yourself. However, most artists find it hard to sell their own art, but that’s what a collector is buying. You may feel awkward talking about your art and techniques to non-artists.

You can use some of the following tips to start with.

1. You must have a clear picture of yourself as an artist. Tell a customer what you do in a few words. “I paint landscapes and sell originals, prints at fairs and gift shops”. Don’t describe 4 different media you do. FOCUS.

2. Be realistic about what you can do, and exactly where you are heading, for instance sell in a gallery, or have your work in museums. FOCUS again.

3. You must know what your market is. The name of the gallery, and the customers interested in landscapes. FOCUS.

4. You must have business cards with a logo customers will remember you from. Once your work is selling, have a brochure, color cards and an album with small quality photos of your work. You may wish to put up your own web site.

5. Join art groups and art events whenever is possible. Pass out cards to everyone within reach, when you take part at an art event. Visit trade shows and mingle with other artists and art industry people. Send out press releases about your shows and activities. Offer a free class or demonstration at a college. Whatever you do will be noticed.

6. List everyone you know and everyone you meet. Keep their names and cards, even on a database if you have a computer. Keep the list up to date, and their potential as a possible customer or exhibition sponsor.

7. You must allow adequate time for marketing, but don’t forget to let enough time for painting. Your art comes first.

8. You must make your prices fit your market. How much can you sell when you exhibit near a college campus? Once you are established you can adjust your prices upwards.

9. Make a step-by-step plan for your art events and promotion. Don’t leave anything to chance when you plan an exhibition. Decide how to handle sales, have hand outs ready, set out a pad to collect names for a mailing list.

10. Once you decide to go for it, do it right. If you frame your own artwork, do it right with suitable frames, otherwise leave it to professionals. If you approach a gallery, check it out to be sure it’s suitable for your work. Make a clean presentation with an organized portfolio and don’t show up without an appointment.

Πως βα προωθήσετε την τέχνη σας

Πώς να προωθήσετε την τέχνη σας

Το μάρκετινγκ για τους ζωγράφους δεν διαφέρει πολύ από οποιοδήποτε άλλο επάγγελμα. Απλώς προωθείτε ένα προϊόν και παράλληλα προβάλετε τον εαυτό σας. Ωστόσο πολλοί ζωγράφοι δυσκολεύονται αρκετά να πουλήσουν τα έργα τους. Μπορείτε βέβαια να αισθάνεστε αμηχανία όταν μιλάτε για την τέχνη σας και για τεχνικές ζωγραφικής σε μη καλλιτέχνες.

Μερικές από τις παρακάτω συμβουλές είναι αρκετές για αρχή.

1. Πρέπει να έχετε ξεκάθαρη γνώμη για τον εαυτό ας σαν ζωγράφο. Πείτε σε ένα πελάτη με λίγες λέξεις τι κάνετε. «Ζωγραφίζω τοπία και πουλώ πρωτότυπα, εκτυπώσεις σε εκθέσεις και σε μαγαζιά με δώρα». Μη περιγράφετε 4 είδη τεχνικές που ζωγραφίζετε. Να είστε συγκεκριμένοι.

2. Να είστε ρεαλιστές με αυτό που μπορείτε να κάνετε, και τι σας ενδιαφέρει, παραδείγματος χάριν να πουλάτε σε γκαλερί ,ή να εκθέτετε τη δουλειά σας σε μουσεία. Να είστε συγκεκριμένοι.

3. Πρέπει να γνωρίζετε ποια είναι η αγορά σας . Το όνομα της γκαλερί, και τους πελάτες που ενδιαφέρονται για τοπία .Να είστε συγκεκριμένοι.

4. Πρέπει να έχετε κάρτες με το λογότυπο σας για να σας θυμούνται οι πελάτες. Αφού η πώληση έργων είναι η δουλειά σας ,κάντε ένα διαφημιστικό φυλλάδιο ,έγχρωμες κάρτες και ένα άλμπουμ με μικρές αλλά ευκρινείς εικόνες. Θα μπορούσατε ακόμη να κάνετε μία ιστοσελίδα στο διαδίκτυο .

5. Πρέπει να συμμετέχετε σε ομάδες τέχνης και σε εικαστικές δράσεις όποτε είναι δυνατό. Μοιράζετε κάρτες σας στο καθένα που βρίσκετε κοντά σας, όταν παίρνετε μέρος σε ένα εικαστικό γεγονός. Να συμμετέχετε σε εμπορικές εκθέσεις και να συναναστρέφεστε άλλους καλλιτέχνες και ανθρώπους της βιομηχανίας της τέχνης. Να δημοσιεύετε δελτία τύπου για τις εκθέσεις και τις δραστηριότητες σας. Καλό είναι να κάνετε δωρεάν επιδείξεις σε κάποια κολλέγια, γιατί ότι κάνετε οπωσδήποτε θα τραβήξει την προσοχή.

6. Κάντε λίστες με όλους όσους γνωρίζετε και αυτούς που συναντάτε. Κρατάτε τα ονόματα τους και τυχόν κάρτες τους , ακόμη κρατήστε αρχεία στον υπολογιστή αν έχετε κάποιο. Να ενημερώνετε τακτικά αυτή τη λίστα, και την πιθανότητα να είναι πιθανοί αγοραστές ,ή σπόνσορες έκθεσης.

7. Να αφιερώνετε αρκετό χρόνο για τη προώθηση της δουλειάς σας ,αλλά μη ξεχνάτε να αφήνετε αρκετό χρόνο για τη ζωγραφική. Η τέχνη σας έρχεται πρώτη.

8. Πρέπει οι τιμές σας να ταιριάζουν με την αγορά σας. Πόσο πρέπει να πουλήσετε εάν εκθέσετε δίπλα σε ένα κολεγιακό κάμπους; Εάν καθιερωθείτε θα μπορέσετε να προσαρμόσετε τις τιμές σας προς τα πάνω.

9. Κάντε ένα πλάνο, βήμα προς βήμα, για τις εικαστικές σας δράσεις και τη προώθηση τους. Μην αφήνετε τίποτε στην τύχη όταν προετοιμάζετε μία έκθεση. Αποφασίσετε πως θα χειριστείτε τις τιμές, ετοιμάστε τα διαφημιστικά, και ένα βιβλίο εντυπώσεων όπου θα συγκεντρώσετε ονόματα για το πελατολόγιο σας.

10. Όταν πια αποφασίσετε το μεγάλο βήμα, κάντε το σωστά. Εάν κορνιζώσετε τα έργα σας, κάντε το με ταιριαστές κορνίζες, διαφορετικά αφήστε να τις ετοιμάσουν επαγγελματίες. Εάν απευθυνθείτε σε μία γκαλερί , ελέγξτε εάν ταιριάζει με τα έργα σας. Κάντε μία καθαρή παρουσίαση με ένα οργανωμένο πορτφόλιο και μη εμφανιστείτε χωρίς ραντεβού.