Good or bad art

| |

Good or bad Art

After prevailing in the early 20th century, modernist painters have started oppressing the traditional artists for the way they expressed their art. Realism was actually banned from fine art institutes all over the world. Although art museums exhibited the realistic art of past centuries, they stubbornly refused to exhibit the works of world class contemporary realist artists, and ignored them without any excuse. At the same time they amply allowed Perceptual artists to exhibit their constructions, irrespective of poor quality, or lack of grace and meaning.

It is true that most of the modern works of art can not reach the height of the term “art”. It doesn’t mean of course that they can not create modern art, or even exhibit it. For four generations modernist artists and fine art college professors have been controlling all the major art museums, and galleries. They have also controlled all the fine art schools and the newspaper art reviews. They have been taking state subsidies and their art brochures have become school art books. Little children at the kindergarten are discouraged from painting realistically .When they grow, they are derided because they waste their time, and claim that anybody can paint a realistic work of art. Their teachers replace pencils with paper, buttons, glue and magazines and ask them to make collage instead.

Art professors with a realistic inclination have been dismissed from their posts in art schools and this nasty climate got worse in the midst of the 20ieth century. Very few art organizations managed to rescue these “heretic” realistic viewpoints. Ever since this cyclone of modern art has made its cycle without achieving its goals, that is its acceptance by the public, it gave place to a more tolerant behaviour. Very few heroic artists preserved the secrets of the great art of the past and started coming back dynamically with the love and encouragement of the art public and claimed the place in art that belongs to them. As oppression recedes, that doesn’t mean they will become oppressors themselves, since it is the public who will decide by themselves. The road ahead of them is still a long way off , but the truth and beauty of realistic art, thanks to the web that brings art into every house so easily, will bring about an inevitable comparison between them and it is true beyond any doubt that they will prevail.

Καλή ή κακή Τέχνη

| |

Καλή ή κακή Τέχνη Μετά την επικράτηση της μοντέρνας τέχνης στις αρχές του 20ου αιώνα ,οι μοντερνιστές ζωγράφοι άρχισαν να καταπιέζουν τους παραδοσιακούς για τον τρόπο με τον οποίο εκφράζονταν καλλιτεχνικά. Ο ρεαλισμός απαγορεύτηκε ουσιαστικά στις σχολές καλών τεχνών σε όλο τον κόσμο. Ενώ τα μουσεία εκθέτουν έργα ρεαλιστικής τέχνης περασμένων αιώνων, απαγορεύουν πεισματικά σε ζωντανούς ρεαλιστές ζωγράφους να εκθέσουν και τους αγνοούν χαρακτηριστικά, ενώ δίνεται άπλετος χώρος για έργα ζωγράφων με εννοιολογικές κατασκευές ,ανεξάρτητα αν τους λείπουν η ικανότητα ,το νόημα και η χάρη.

Δεν είναι αλήθεια ότι τα περισσότερα έργα μοντέρνας και μεταμοντέρνας τέχνης φτάνουν στο ύψος του όρου «τέχνη». Δεν σημαίνει βέβαια ότι απαγορεύεται να δημιουργούν μοντέρνα τέχνη, ή και να εκθέτουν.

Για τέσσερεις γενεές οι μοντερνιστές ιδεολόγοι ελέγχουν τα μεγαλύτερα μουσεία ,καθώς και τους εκθεσιακούς χώρους. Ακόμη ελέγχουν όλα τα κολέγια, τα τμήματα τέχνης, και τις δημοσιογραφικές κριτικές. Παίρνουν όλες τις κυβερνητικές επιχορηγήσεις και τα φυλλάδια τους γίνονται διδακτικά βιβλία για τα γυμνάσια. Τα μικρά παιδιά στα νηπιαγωγεία αποθαρρύνονται από το να ζωγραφίζουν ρεαλιστικά. Όταν μεγαλώσουν χλευάζονται γιατί λένε ότι σπαταλούν το χρόνο τους, και ισχυρίζονται ότι ο καθένας μπορεί να κάνει ένα ρεαλιστικό έργο. Οι δάσκαλοι αντικαθιστούν τα μολύβια με χαρτί, κουμπιά, κόλλα και περιοδικά για να κάνουν κολλάζ. Καθηγητές με ρεαλιστικές ανησυχίες εκδιώχτηκαν από τις σχολές τους και αυτό το κλίμα αναπτύχτηκε μετά το μέσο του 20ου αιώνα.

Ελάχιστοι οργανισμοί κατάφεραν να διασώσουν τις «αιρετικές» ρεαλιστικές απόψεις. Αφού η λαίλαπα της αντιτέχνης έκανε το κύκλο της χωρίς να πετύχει τα αναμενόμενα, δηλαδή την αποδοχή της τέχνης τους από το ευρύ κοινό, έδωσε τη θέση της σε πιο ανεκτική συμπεριφορά καθώς οι λίγοι ηρωικοί καλλιτέχνες που διέσωσαν τα μυστικά της μεγάλης τέχνης του παρελθόντος άρχιζαν να επανέρχονται δυναμικά και με τη στήριξη και αγάπη του κοινού, να διεκδικούν τη θέση που τους ανήκει. Καθώς η καταπίεση περιορίζεται δεν θα χρειαστεί να γίνουν οι ίδιοι καταπιεστές ,αφού το κοινό θα συγκρίνει και θα αποφασίζει από μόνο του. Ο δρόμος μπροστά ακόμη φαντάζει μακρύς, αλλά η αλήθεια και η ομορφιά, δίδυμες αδελφές, χάριν του διαδικτύου που φέρνει την τέχνη σε κάθε σπίτι και τη σύγκριση αναπόφευκτη, είναι βέβαιο ότι θα επικρατήσουν.

Face dawing Tips

| |

How to draw a face correctly

A good painting and a good portrait are based on a correct drawing, that is why we must draw correctly.

Let us see now the drawing of a face. A human face is neither round nor square, irrespective being male or female, and each one is unique, all faces however have common analogies in the placement of human characteristics.

If we assume that the head is a hypothetical square we notice that the line of the eyes is in the middle of a square, that is the distance from the line of hair and the line of the mouth, and second the distance between the top of the head and the chin.

The right position of the eyes and the mouth are basic for a balanced portrait. Some of the painters, even famous ones, had the tendency to place the eyes a little higher which had the consequence to lose the balance. A practical way to find the exact position of the eyes is to draw two traverse lines and find the crossing point which separates’ the face and the head in two symmetrical parts. This specifies the middle of the eyes, the vertical line in the middle of the nose, the lips and the chin. You will notice the empty space between the two eyes equals the length of one eye.

Now we will see the drawing of a profile face .Observe again the line of eyes is in the middle distance between the hair line and the middle line of the mouth. The edge of the nose is about the middle distance of the eyes and lips. The middle line of the lips is in the middle distance of the edge of the nose and the chin.

A basic point in the correct drawing of the eyebrow is at the level of the ear. The middle of the eye is in equal distance from the chin and the upper part of the ear in a way that they create a rectangular triangle with equal vertical lines.

It is apparent that there are differences from face to face, and some people have longer noses, but in general lines they are similar. The basic characteristics for a successful portrait are of course the eyes and mouth. Even if we do all the other characteristics well, a failure in the eyes will result in a general failure.

Let’s see now the drawing of eyes. Notice the curve of the eyebrow that initially goes upwards thick .The upper eyelid is much thicker than the lower one. One way to catch the resemblance of the glance is to draw the negative of the eye first, that is the white of the eye.

Let’s see finally the drawing of the mouth and lips. Look at the “V” of the upper lip and the light bent upwards in both edges. The lower lip is much thicker and has a smaller length. It must be drawn symmetrically so that it doesn’t look wrong. The line in the middle of the mouth is darker. The line of the upper lip is thicker and more intense especially at the “V” point. On the contrary the line of the lower lip is soft and lighter because it reflects light.

Old street in Pera Costaninople

| |

Original oil on canvas Size: 50-70 cm
Painted with painting knives Price :1200$

Σχέδιο κεφαλιού

| |

Πώς να σχεδιάζετε σωστά το ανθρώπινο κεφάλι

Ένας καλός πίνακας .ένα καλό πορτρέτο στηρίζεται σε ένα καλό και σωστό σχέδιο για το λόγο αυτό είναι απαραίτητο να σχεδιάζουμε σωστά .

Ας δούμε τώρα τη σχεδίαση ενός προσώπου.

Το ανθρώπινο κεφάλι δεν είναι έχει σφαιρικό ή τετράγωνο σχήμα ,. ανεξάρτητα αν είναι γυναικείο ή ανδρικό, και το καθένα είναι μοναδικό , όλα όμως έχουν κάτι κοινό στις αναλογίες και τη θέση των χαρακτηριστικών

Αν υποθέσουμε ότι το κεφάλι είναι ένα φανταστικό τετράγωνο προσέχουμε ότι η γραμμή των ματιών είναι στο μέσο του τετραγώνου δηλαδή της απόστασης της γραμμής των μαλλιών και της γραμμής του στόματος ,της απόστασης της κορυφής του κεφαλιού και του πηγουνιού.

Η σωστή τοποθέτηση της θέσης των ματιών είναι πολύ βασική για ένα ισορροπημένο πορτρέτο όπως και αυτή του στόματος . Μερικοί ακόμη και γνωστοί ζωγράφοι στο παρελθόν, ακόμη και τώρα , είχαν και έχουν την τάση να τοποθετούν τα μάτια ψηλά στο πρόσωπο, με αποτέλεσμα να υπάρχει κάποια ανισορροπία και αυτό είναι πολύ σημαντικό μειονέκτημα. Ένας πρακτικός τρόπος για να βρούμε την ακριβή μέση απόσταση είναι να τραβήξουμε τις δύο διαγώνιες και να πάρουμε το σημείο τομής αυτών. Η κάθετη γραμμή που διέρχεται από το σημείο τομής των διαγωνίων χωρίζει το πρόσωπο και κατ ¨επέκταση και το κεφάλι σε δύο αντίστοιχα συμμετρικά μέρη και μας προσδιορίζει το μέσο των ματιών την κατακόρυφη γραμμή του μέσου της μύτης των χειλιών και του πηγουνιού. Θα προσέξετε ότι το κενό διάστημα μεταξύ των δύο ματιών είναι όσο το οριζόντιο μήκος ενός ματιού.

Θα δούμε τώρα τη σχεδίαση και τοποθέτηση χαρακτηριστικών ενός κεφαλιού σε πλάγια όψη (profile). Προσέξτε πάλι ότι η γραμμή των ματιών είναι στη μέση απόσταση μεταξύ των μαλλιών της γραμμής του μετώπου και της γραμμής που εφάπτονται τα χείλη. Η άκρη της μύτης είναι περίπου στο μέσο της απόστασης ματιών και χειλιών και η μέση γραμμή των χειλιών είναι στο μέσο της απόστασης της άκρης της μύτης και του κάτω άκρου του σαγονιού.

Ένα βασικό σημείο για τη σωστή σχεδίαση είναι ότι η γραμμή του φρυδιού βρίσκεται λίγο πάνω από τη το πάνω άκρο του αυτιού και το μέσο του ματιού απέχει ίση απόσταση από το σαγόνι και του πάνω άκρο του αυτιού κατά τρόπο ώστε να σχηματίζεται ένα ορθογώνιο τρίγωνο με ίσες τις κάθετες πλευρές.

Είναι ευνόητο ότι οι αναλογίες αυτές μπορεί να διαφέρουν λίγο από πρόσωπο σε πρόσωπο πχ. ένας μπορεί να έχει μεγάλη μύτη , όμως ισχύουν σε γενικές γραμμές .

Τα βασικά χαρακτηριστικά ενός προσώπου τα οποία απαιτούν ιδιαίτερη προσοχή είναι τα μάτια και το στόμα και είναι καθοριστικά για την επιτυχία ενός πορτρέτου

Είναι τα μάτια και το στόμα.. Όσο επιτυχία και να έχουν στη σχεδίαση τα υπόλοιπα χαρακτηριστικά αν κάποιο από αυτά τα δύο είναι λάθος τότε το πορτρέτο μας δεν θα είναι επιτυχημένο.

Ας δούμε πρώτα τη σχεδίαση των ματιών. Προσέξτε την καμπύλη του φρυδιού που αρχικά ανεβαίνει σχετικά παχιά και .Το πάνω ματοτσίνορο είναι σαφώς πιο παχύ και σκούρο . Ένας τρόπος να πετύχουμε το βλέμμα είναι να σχεδιάσουμε πρώτα το αρνητικό – το ασπράδι του ματιού.

Ας δούμε τώρα τη σχεδίαση του στόματος και των χειλιών.

Προσέξτε το V του πάνω χείλους και την ελαφρά αναδίπλωση προς τα πάνω και στις δύο άκρες . Το κάτω χείλος είναι πιο παχύ και έχει μικρότερο μήκος πρέπει να τοποθετηθεί συμμετρικά για μα μη φαίνεται στραβό. Η γραμμή του στόματος –γραμμή επαφής των χειλιών είναι πιο σκούρα . Η γραμμή του πάνω χείλους και ιδιαίτερα του V είναι σκληρή ενώ αντίθετα του κάτω χείλους απαλή παρατηρείτε ότι ο χρωματισμός του κάτω χείλους είναι πιο ανοικτός επειδή αντανακλάται περισσότερο φως .


The Titan war By Laskaris

| |

Original oil on canvas Size: 70-90 cm
Painted with painting knives Require price
The painting shows a scene of the Titan war ,a relief from Pergamum now in Berlin.The main figure Athena is begged by Gaea a titan's mother to spare his life.
My e-mail:
My favorite

Cumalikizik Bursa

| |

Original oil on canvas Created in 2009
Size:60-80 cm Require price
My Email
My favorite sites

Painting Methods-Μέθοδοι Ζωγραφικής

| |

Painting methods

Direct method is used to paint in one layer of color. This method involves the use of opaque color used by the impressionists in their early works, the fauvists and the abstract expressionists. Imagine painting in one layer in transparent colors. This method depends more on programming, because the pattern and color must be taken into account simultaneously. In this method you must:

a) Paint from light to dark.

b) The brush strokes must vary from long to short like Sezan’s.

c) The brush strokes must be directed towards different directions.

d) Use scumbling in some places with an almost dry brush.

e) Paint from the background to the foreground.

f) Mix the paints on the palette before you put them on the canvas.

g) Start from the middle tones and gradually increase the contrasts.

Wet in wet

is a method in which you must use a small amount of alkyd medium to increase the flow of colors.

Ala Prima is a method of direct painting with one layer of color usually on white canvas.

Open Air painting describes a technique in which a painting is executed exclusively in the open air. Most of the painters use direct or indirect painting. For example a painting looks better when some parts, for example a sky, are passed with a glaze.

Impasto is a painting method in which a thick layer of paint is used to create a thick texture. Quite often painters use a gel of alkyd, or cold wax to create volume in the paints.

Imprimatura is the appliance of a wash of paint, or glaze to tone the canvas before starting to paint.

Sfumato is an Italian technique used by Leonardo Da Vinci to gradient from dark to light progressively.

Μέθοδοι ζωγραφική

Η Άμεση μέθοδος χρησιμοποιείται για να ζωγραφίζει κανείς με μία μοναδική στρώση χρώματος. Αυτή η μέθοδος αφορά τη χρήση αδιαφανούς χρώματος και χρησιμοποιήθηκε από τους Ιμπρεσιονιστές στα πρώιμα έργα τους , τους φωβιστές και τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές. Φανταστείτε ένα πίνακα ζωγραφισμένο με διαφανή χρώματα σε ένα στρώμα. Η μέθοδος αυτή βασίζεται περισσότερο στον προγραμματισμό γιατί πρέπει να παίρνεται υπ’όψιν η φόρμα και το χρώμα συγχρόνως. Στη μέθοδο αυτή πρέπει

α) να ζωγραφίζετε από τα φωτεινά στα σκούρα

β) Οι πινελιές πρέπει να ποικίλουν από μακριές σε κοφτές όπως στο Σεζάν.

γ) Οι πινελιές να κατευθύνονται προς διαφορετικές κατευθύνσεις

δ) Να επικαλύπτεται το υπόστρωμα εν μέρει σε ορισμένα σημεία με ένα σχεδόν στεγνό πινέλο.

ε) Ζωγραφίζετε από το φόντο προς το μπροστινό πλάνο .

ζ)Ανακατεύετε τα χρώματα αρχικά στη παλέτα και μετά στο μουσαμά.

η) Αρχίζετε από τους μεσαίους τόνους και σταδιακά αύξανε τις αντιθέσεις.

Υγρό σε Υγρό είναι η μέθοδος όπου πρέπει να χρησιμοποιήσετε μικρή ποσότητα μέσου Άλκυντ για να αυξηθεί η ροή των χρωμάτων.

Αλά πρίμα είναι μία μέθοδος άμεσης ζωγραφικής με ένα μοναδικό στρώμα χρώματος συνήθως πάνω σε άσπρο μουσαμά.

Ο Υπαιθρισμός περιγράφει μία τεχνική ζωγραφικής ενός τοπίου εξ ολοκλήρου στο ύπαιθρο. Οι περισσότεροι ζωγράφοι χρησιμοποιούν ένα συνδυασμό άμεσης και έμμεσης ζωγραφικής. Παραδείγματος χάριν ένα τοπίο δείχνει καλύτερα όταν κάποιες περιοχές όπως ο ουρανός περαστούν με λαζούρα στο στούντιο.

Το Ιμπάστο είναι η μέθοδος όπου χρησιμοποιείται παχύ στρώμα χρώματος για να δημιουργηθεί υφή. Συχνά οι ζωγράφοι χρησιμοποιούν ζελέ άλκυντ και κρύο κερί για να δώσουν όγκο στα ελαιοχρώματα.

Η Ιμπριματούρα είναι η εφαρμογή ενός ξεπλύματος χρώματος ή λαζούρας που τονίζει με χρώμα τον μουσαμά πριν αρχίσει η ζωγραφική.

Το Σφουμάτο είναι μίαΙταλική τεχνική που χρησιμοποίησε και ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι για να μεταβεί από τα φωτεινά στα σκούρα πολύ κλιμακωτά.

Sultan Ahmet Cami

| |

Original oil on canvas Created in December 2009
Size:65-85 cm For sale
My favorite sites:

Dexileo By Laskaris Charalampos

| |

Original oil on canvas 70-80 cm
My Email:
My favorite sites:


| |

Modern Art

Art exists ever since people populated earth. It is created by a man, it influences us, and moves us as we feel and see the beauty depicted by the artist who expresses his feelings using his imagination. Through the huge development in technologies and social changes that took part in the 19th century, modern art flourished during this period, and sparkled the creation of modern art movements such as cubism, abstract expressionism and Surrealism, to mention but a few of the most important art movements. The artist of modern art learns from himself and doesn’t need a special training, but creates through his experience and imagination. Modern art plays an important role in man’s life, in history, since it doesn’t only give us inspiration, but the freedom to express ourselves through the use of different means.

Parallel to the scientific, technological and social innovations, art has developed numerous new techniques. It is worth mentioning some of the –isms, expressionism, cubism, constructivism and surrealism. Modern art hasn’t a specific root, but it is generally accepted that it initiated between the 18th and 19th century inspired by the French Revolution. In its broader sense it also contains ability and creative imagination in a musical, literary and visual environment. It offers the people who create it and the community of people who watch it, experience that could be aesthetic, sentimental and mental, or a combination of any of these properties. Modern Art doesn’t follow any traditional rule. In fact Modern Art breaks this barrier. Van Gogh for example painted a field blue and the trees yellow. However modernist artists work with harmony ( an impression of unity, and arrangement of related objects and ideas).People find it difficult to correlate a Picasso or Kandisnky with Michael Angelo. With Modern Art you may ask yourself “what is it?”. By reading the title of the artwork you may get your answer. The medium the artist uses has an impact on his style. Eastern artists did not pay much attention to perspective, whereas western artists did. The aim of modern artists is to depict their themes in a more abstract way, using feelings and imagination to create their masterpieces. Sometimes we might interpret a modern artwork in a different way, something that is the beauty of this art and depends on how an art lover sees it

Fatih neighbourhood

| |

Original oil on canvas by Laskaris Charalampos
Size 50-60 cm Require price
My blog

Darks and Lighting in painting

| |

Painting lights and shadows

“When we do lights, the colors may be loaded as much as may be thought necessary. However we have to keep them pure. This is effected by laying each tint in its place, and the various tints next to each other, so that, by a slight blending with the brush, they may be softened by passing one into the other without stirring them too much. Afterwards you may return to this preparation, and give to it those decided touches which are always the distinctive marks of great masters”—RubensVan Mander, comments on the coloring of flesh in the highlights: “Let not your flesh colors freeze. Let it not be too cold or purple , because a carnation that approaches the whiteness of linen cannot bloom with the signs of life. Vermilion however makes it glow with a more fleshy hue. In painting peasants , shepherds or mariners, do not hesitate to use ochre with vermilion. Be careful not to use in either cases too much white, because pure white is not visible in the living thing”The Flemish recommended that one shouldn’t useblack or white in shadows, as they deaden the quality, eliminating the desired glow of transparency which makes proper use of the white ground. Rubens stated “be careful not to let white get into your shadows; it is the poison of the picture except in the lights; if white is used, your color will no longer be glowing, but heavy and grey”..In Flemish works a thinner medium was used for the lights than the darks, so that, even in the lights, the white ground affected the color. The superior method of Rubens consisted in preserving transparency chiefly in his darks, and in contrasting their depth with solid lights. The Italians sometimes began a work in white and black, glazing them to the highest degree of warmth. Such was the practice of Tintoretto, and of Titian who after painting his grisaille in led white and carbon black, layered it with red and yellow ochre and vermilion plus lead white in the lights.

Ζωγραφίζοντας φωτίσματα και σκιές

«Όταν ζωγραφίζουμε φωτίσματα, μπορούμε να βάλουμε όσο περισσότερο χρώμα θεωρούμε απαραίτητο. Ωστόσο πρέπει να το κρατούμε καθαρό. Αυτό γίνεται δυνατό βάζοντας το κάθε χρώμα στη θέση του , και τις διάφορες αποχρώσεις τη μία δίπλα στην άλλη, μόνο με μικρή ανάμειξη με το πινέλο χωρίς δηλαδή να τα ανακατεύουμε υπερβολικά. Μετά μπορείτε να επιστρέψετε σ’αυτή την επεξεργασία και να δώσετε εκείνες τις αποφασιστικές πινελιές που κάνουν πάντοτε να ξεχωρίζουν οι μεγάλοι δάσκαλοι».- ΡούμπενςΟ Βαν Μάντερ σχολιάζει το χρωματισμό φωτισμάτων στα σαρκώματα. « Μη αφήνετε τα χρώματα του σαρκώματος να παγώσουν. Μη τα αφήνετε να γίνουν υπερβολικά ψυχρά ή πορφυρί , γιατί το γαρύφαλλο που πλησιάζει το άσπρο ενός λινού δεν μπορεί να ανθίζει και να έχει ζωντάνια. Το βερμιγιόν όμως τα κάνει να λάμπουν με μία πιο σαρκώδη χροιά. Όταν ζωγραφίζετε αγρότες , βοσκούς και ναυτικούς ,μη διστάζετε να χρησιμοποιείτε ώχρα και βερμιγιόν. Σε καμιά όμως από αυτές τις περιπτώσεις μη χρησιμοποιείτε πολύ άσπρο που δεν είναι ποτέ παρόν σε κάτι ζωντανό.Οι Φλαμανδοί ζωγράφοι σύστηναν να μη χρησιμοποιούμε μαύρο η άσπρο στις σκιές γιατί νεκρώνουν την ποιότητα ,εκμηδενίζοντας την επιθυμητή γυαλάδα της διαφάνειας ,που χρησιμοποιεί το άσπρο του υποστρώματος του καμβά. Ο Ρούμπενς δήλωνε « προσέχετε να μη χρησιμοποιείτε άσπρο στις σκιές σας ,επειδή είναι δηλητήριο για τη ζωγραφιά εκτός φυσικά αν μπαίνει στα φωτίσματα. Εάν χρησιμοποιήσετε άσπρο αυτό δεν θα γυαλίζει ,αλλά θα είναι βαρύ και γκρίζο.»Σε φλαμανδικά έργα χρησιμοποιούσαν ένα λεπτότερο μέσο για τα φωτίσματα απ’ότι στα σκιερά μέρη γιατί στα φωτίσματα το άσπρο υπόστρωμα επηρέαζε το χρώμα. Η ανώτερη μέθοδος του Ρούμπενς συνίστατο στο να διατηρεί κυρίως τη διαφάνεια στις σκιές και να τις αντιπαραθέτει με τα στερεά φωτίσματα. Οι Ιταλοί ζωγράφοι άρχιζαν τα έργα τους με άσπρο και μαύρο και συνέχιζαν με ολοζώντανες θερμές λαζούρες. Τέτοια ήταν η πρακτική του Τιντορέτο και του Τισιάνου που αφού άρχιζαν με ένα Γκρισαίγ από άσπρο του μόλυβδου και μαύρο , το κάλυπταν με επιστρώσεις κόκκινου και κίτρινης ώχρας και στη συνέχεια βερμιγιόν και άσπρο μόλυβδου για τα φωτίσματα. .


| |


Twentieth century century avant-garde art movement that originated in the nihilistic ideas of the Dadaist and French literary figures, especially those of its founder, French writer André Breton (1896-1966). At first a Dadaist, he wrote three manifestos about Surrealism — in 1924, 1930, and 1934, and opened a studio for "surrealist research."

Influenced by the theories of the pioneer of psychoanalysis, Sigmund Freud (German, 1856-1939), the images found in surrealist works are as confusing and startling as those of dreams. Surrealist works can depict fantasies ,as in the works of René Magritte (Belgian, 1898-1967), Salvador Dalí (Spanish, 1904-1988), Yves Tanguy (French, 1900-1955), and Alfred Pellan (Canadian, 1906-1988). These artists were partly inspired bysymbolism, and partly the metaphysical painting of Giorgio de Chirico (Italian, 1888-1978). Or, it could have a more abstract style, as in the works of Joan Miró (Spanish, 1893-1983), Max Ernst (German, 1891-1976), and André Masson (French, 1896-1987), who invented spontaneous techniques , modelled upon the psychotherapeutic procedure of "free association" as a means to eliminate conscious control in order to express the workings of the unconscious mind, such asexquisite corspe.
Κίνημα τέχνης Αβάν Γκαρντ του 20ου αιώνα, που βρήκε τις ρίζες του στις μηδενιστικές ιδέες των Ντανταιστών και τις προσωπικότητες Γάλλων λογοτεχνών ,ιδιαίτερα του ιδρυτή του κινήματος Αντρέ Μπρετόν (1896-1966).Κατ’ αρχάς Ντανταιστής ,έγραψε τρία μανιφέστα για το Σουρεαλισμό- το 1924 ,το 1930 και το 1934, και άνοιξε ένα στούντιο για έρευνα του Σουρεαλισμου .

Επηρεασμένοι από τις θεωρίες του πρωτοπόρου της ψυχανάλυσης , Σίγκμουντ Φρόυντ (Γερμανός,1856-1939) οι εικόνες που βρίσκονται στα έργα των Σουρεαλιστών είναι τόσο μπερδεμένες και τρομακτικές όσο και τα όνειρα. Τα Σουρεαλιστικά έργα μπορεί να απεικονίζουν φαντασίες όπως τα έργα του Μαγκρίντ ( Βέλγος, 1898- 1967) και του Σαλβαντόρ Νταλί (Ισπανός 1904- 1988). Αυτοί οι καλλιτέχνες εμπνεύστηκαν εν μέρει από το Συμβολισμό και εν μέρει από τη Μεταφυσική ζωγραφική του Τζιόρτζιο ντε Κύρικο (Ιταλός 1888-1978). Ή θα μπορούσε να έχει ένα πιο αφηρημένο στυλ , όπως στα έργα του Χουάν Μιρό (Ισπανός 1893- 1983) του Μαξ Έρνστ( 1891- 1976 και του Αντρέ ΜΑσόν ο οποίος εφεύρε αυθόρμητες τεχνικές , βασισμένες στη ψυχοθεραπευτική διαδικασία ,σαν ένα μέσο να εξαφανίσει τον υποσυνείδητο έλεγχο για να εκφράσει τα έργα του ασυνείδητου νου .


Pickle Store

| |

Original oil on canvas Size: 60-80 cm

My favorite sites:

Oil painting Tips -Συμβουλές Ζωγραφικής

| |

Painting Hints ( Οδηγίες Ζωγραφικής )

Practical Hints
A few suggestions:
1. Research possibilities by studying recognized masterworks, and making your own exploratory sketches.
2. Establish the full range at the outset — in tone, color, contrasts, etc. — either on the canvas itself, in sketches, or at least on the palette.
3. Once started, work the painting as a whole.
4. Go from the general to the particular, laying in the broad shapes and tones before attending to details.
5. Stop at convenient intervals and take stock of achievements and possibilities. View in a mirror and upside down to spot mistakes.
6. Make exploratory studies throughout the painting process.
7. Be sensible, but don't shy away from unexpected difficulties: overcoming them will push your work in new directions.
8. Take photos when really stuck, and analyze the images with a computer graphics program, rearranging elements to explore radical changes.
9. Try always to finish a painting, however bad: you will learn more from mistakes than those golden periods when everything goes well.

Πρακτικές οδηγίες
Μερικές προτάσεις:
1. Ψάξτε διάφορες πιθανότητες μελετώντας αναγνωρισμένα αριστουργήματα και κάντε δικά σας διερευνητικά σχέδια.
2. Δουλέψτε το έργο σε όλη την έκταση του καμβά από την αρχή-στη σωστή τονικότητα, το χρώμα ,τις αντιθέσεις κτλ –είτε απ’ ευθείας στο μουσαμά ,σε σχέδια η τουλάχιστον στη παλέτα.
3. Αφού ξεκινήσετε ,δουλέψτε τον πίνακα σαν ένα σύνολο.
4. Πηγαίνετε από το γενικό στο συγκεκριμένο, μπλοκάροντας τις μεγάλες επιφάνειες προτού πάτε στις λεπτομέρειες.
5. Σταματάτε σε διαστήματα που σας βολεύουν και αξιολογείστε αυτά που πετύχατε και τις δυνατότητες που υπάρχουν. Κοιτάξτε το έργο μέσα από καθρέπτη ανάποδα για να εντοπίσετε κάποια λάθη.
6. Κάντε διερευνητικές μελέτες καθ’ όλη τη διάρκεια της εξέλιξης του πίνακα.
7. Να είστε λογικοί , αλλά να μη αποφεύγετε απροσδόκητες δυσκολίες : Ξεπερνώντας τες θα σας δώσει δύναμη να σπρώξετε τη δουλειά σας σε νέες κατευθύνσεις.
8. Πάρτε φωτογραφίες του έργου όταν έχετε κολλήσει πραγματικά

Hagia Sophia

| |

Original oil on canvas Naturalistic

65-85cm Sold

created by Laskaris Charalampos

Favorite sites:

Byzantine Heritage by Laskaris Charalampos

| |

Oil on canvas Size: 65-85 cm

Naturalistic For sale.

Favorite site:

DADA art movement- Κίνημα Νταντά

| |

The Basics of Dada Movement in Art

Dada was an artistic and literary movement that started in Europe when World War I was going on. Because of the war, many artists, intellectuals and writers, especially those from France and Germany, moved to Switzerland, which was a neutral country. Instead of being relieved that they had escaped, the artists, intellectuals and writers were furious with the modern society. So, they decided to show their protest through artistic medium. They decided to create non-art since art in the society anyway had no meaning.

The so-called non-artists turned to creating art that had soft obscenities, scattered humour, visible puns and everyday objects. The most outrageous painting was created by Marcel Duchamp, when he painted a moustache on a copy of Mona Lisa and scribbled obscenities under it. He also created his sculpture called Fountain, which was actually a urinal without the plumbing and it had a fake signature.

The public were repulsed by the Dada movement. However, the Dadaists found this attitude encouraging. And, slowly the movement spread from Zurich to other parts of Europe and New York City. Just as many mainstream artists were thinking about this movement seriously, the Dada movement dissolved around the early 1920s.

This art movement was a protest, but at the same time it managed to be enjoyable and amusing. It was sarcastic, colorful, quirky and silly. If a person at that time had not been aware of the logic behind the movement, he or she would have been wondering what the artist was up to creating pieces like the ones that were created. However, the artist who created the Dada art was very serious about his work. The movement did not favor one medium over another. It used everything from glass to plaster to geometric tapestries to wooden reliefs. In addition, the movement was also responsible for influencing many trends in the field of visual art, the most well-known being Surrealism.

Τα βασικά του κινήματος Νταντά

Το Νταντά ήταν ένα καλλιτεχνικό και λογοτεχνικό κίνημα που άρχισε στην Ευρώπη κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Εξ αιτίας του πολέμου ,πολλοί καλλιτέχνες, ,διανοούμενοι και συγγραφείς ιδιαίτερα από τη Γαλλία και τη Γερμανία, κατάφυγαν στην Ελβετία η οποία ήταν μία χώρα ουδέτερη. Αντί να αισθανθούν ικανοποίηση που είχαν δραπετεύσει , ήταν εξαγριωμένοι με τη μοντέρνα κοινωνία. Έτσι αποφάσισαν να δείξουν τη διαμαρτυρία τους μέσα από την τέχνη. Αποφάσισαν να δημιουργήσουν ένα κίνημα αντιτέχνης αφού η τέχνη δεν είχε πια νόημα για την κοινωνία. Η ονομασία νταντά προέκυψε τυχαία όταν οι ιδρυτές του κινήματος έμπηξαν ένα μαχαίρι μέσα σε ένα Γαλλογερμανικό λεξικό και λέξη που αυτό έδειξε ήτα νταντά ,δηλαδή μικρό ξύλινο αλογάκι. Αισθάνθηκαν ότι θα ταίριαζε για το κίνημα που δημιουργούσαν.

Οι επονομαζόμενοι μη καλλιτέχνες στράφηκαν σε δημιουργίες που είχαν ελαφρές ασχήμιες, σκόρπιο χιούμορ, και καθημερινά αντικείμενα. Το πιο εξωφρενικό αντικείμενο δημιουργήθηκε από το Μαρσέλ Ντουσάμπ, όταν ζωγράφισε τη Μόνα Λίζα με Μουστάκι και έγραψε από κάτω χυδαιότητες. Επίσης δημιούργησε ένα γλυπτό που ονόμασε σιντριβάνι που ήταν στην πραγματικότητα μία λεκάνη τουαλέτας.
Το κοινό έδειξε αποτροπιασμό για το κίνημα Νταντά. Ωστόσο οι Ντανταιστές βρήκαν αυτήν τη συμπεριφορά ενθαρρυντική. Έτσι το κίνημα απλώθηκε αργά από τη Ζυρίχη σε άλλα μέρη της Ευρώπης και της Νέας Υόρκης. Ενώ πολλοί σημαντικοί ζωγράφοι άρχισαν να την παίρνουν στα σοβαρά ,το κίνημα διαλύθηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1920.

Το κίνημα αυτό ήταν μία διαμαρτυρία , αλλά συγχρόνως κατάφερνε να διασκεδάζει το κοινό. Ήταν σαρκαστικό ,πολύχρωμο ,παράξενο και ανόητο. Αν ένα άτομο δεν ήταν ενήμερο με τη λογική πίσω από το κίνημα ,θα διερωτάτο που το πήγαινε ο καλλιτέχνης με τα έργα που δημιουργούσε. Ωστόσο ο καλλιτέχνης που δημιουργούσε τέχνη Νταντά ήταν πολύ σοβαρός με τη δημιουργία του. Το κίνημα δεν ευνοούσε ένα μέσο από ένα άλλο .Χρησιμοποιούσε κάθε τι από γυαλί έως γεωμετρικές ταπετσαρίες και ξύλινα ανάγλυφα. Επιπλέον το κίνημα ήταν υπεύθυνο για την επίδραση του σε πολλές καλλιτεχνικές τάσεις των οπτικών τεχνών όπως αυτές των Σουρεαλιστών

Byzantine Hagia Sofia

| |

By Charalampos Laskaris Original oil on canvas Size: 65-85 cm


Favotite site:

The Fatih neighbourhood

| |

Original oil on canvas 50-60 cm

By Laskaris Charalampos

Drying Time - Στέγνωμα γρήγορο ή αργό

| |

Drying Time in Painting

Drying time has to do with more than one factor.The painting surface plays a huge role in the drying time of your paint. When the priming is only one layer, the canvas remains absorbent because the base color on the canvas is very thin. The pre-stretched canvases in the hobby shops are usually very absorbent. Therefore, the oil that is in your tubes of paint will be quickly sucked into the canvas itself, and the paint will dry quicker. If you buy a roll of canvas, it has a double layer of acrylic priming and the paint dries slower. Before you start painting, cover the canvas with one or two layers of Gesso and when the layers dry , make a brownish color (burnt sienna, cobalt, raw sienna ) and spread it on the canvas, diluted only with turpentine and a little painting medium with a piece of cloth. This procedure will protect the canvas fibers from the chemicals of the paints.Personally I use a mixture of the basic mediums (oil painting medium+ poppy oil+ stand oil) with a smaller portion of retouch varnish. This mixture carries the qualities of each medium. The retouch varnish for a firm hold of the paint on the canvas, even after a dry layer of paint, the linseed oil which gives gloss to the canvas, the poppy oil which doesn’t turn yellowish and the honey like stand oil which is good for final touches. The mixture has a 24 hour drying time. You may speed up this time with a little turpentine.Colors dry at different times. Flake white for example dries fast, whereas zinc white is very slow in drying. When you make mixtures with Burnt Umber –Raw Umber and Flake white they will speed up drying time. Bright colors like Cadmium red- Cadmium Yellow and Alizarin Crimson will slow down drying time when they are added to the mixtures.

Αργό ή γρήγορο στέγνωμα χρωμάτων

Ο χρόνος στεγνώματος των χρωμάτων έχει να κάνει με πάνω από ένα παράγοντα.Η επιφάνεια του πίνακα παίζει τεράστιο ρόλο στο χρόνο στεγνώματος των χρωμάτων. Όταν η επίστρωση του μουσαμά έχει μία μόνο ακριλική στρώση ,τότε ο μουσαμάς παραμένει απορροφητικός γιατί η βασική στρώση είναι πολύ λεπτή. Οι μουσαμάδες που πωλούνται στα καταστήματα χόμπι σε έτοιμα τελάρα είναι συνήθως πολύ απορροφητικοί. Έτσι, τα χρώματα λαδιού σύντομα θα απορροφηθούν από τον ίδιο το μουσαμά και θα στεγνώσουν γρηγορότερα.Εάν αγοράσετε ένα ρολό μουσαμά , αυτός έχει συνήθως διπλή ακρυλική επίστρωση και τα χρώματα στεγνώνουν αργότερα. Προτού αρχίσετε να ζωγραφίζετε , καλύψτε το μουσαμά με δύο στρώσεις Γκέσο. Όταν το Γκέσο στεγνώσει κάντε μία μίξη από ψημένη σιένα ,κόμπαλτ μπλε και ωμή σιένα. Με ένα κομμάτι πανί απλώστε το χρώμα στο μουσαμά αραιώνοντας το με νέφτι και λίγο λινέλαιο. Αυτή η διαδικασία θα προστατέψει τις ίνες του μουσαμά από τα χημικά που έχουν ορισμένα χρωμάτων.Προσωπικά χρησιμοποιώ ένα μείγμα από ίσα μέρη λινελαίου, παπαρουνέλαιου (poppy oil), και λαδιού σταντ ( stand oil) με μικρή ποσότητα βερνικιού Ριτάτς (retouch varnish)). Αυτό το μείγμα φέρει τις ιδιότητες όλων αυτών των μέσων ζωγραφικής. Το βερνίκι ριτάτς δένει καλά το χρώμα στo μουσαμά ακόμη κι αν έχει στεγνώσει πολύ το προηγούμενο στρώμα. Το λινέλαιο δίνει γυαλάδα, το παπαρουνέλαιο δεν κιτρινίζει, ενώ το σταντ λάδι με την παχύρευστη υφή του είναι καλό για τα τελειώματα. Το μείγμα στεγνώνει επαρκώς σε 24 ώρες και αν επείγεστε χρησιμοποιείστε λίγο νέφτι ή άλλο στεγνωτικό.

The wave

| |

Oil on canvas 65-80 cm

Rococo -Ροκοκό

| |

Rococo was an outgrowth of the Baroque Period. It flourished in Western Europe from about 1700 to 1780.The word rococo comes from a French word meaning “little rock” or “ rockwork”.
The rococo style often appears in decorative art (tapestries , furniture and porcelain) as well as other art and architecture. It is playful, showy, and luxurious. It often draws on symbols from nature, including shells, rocks, vines and flowers. Rococo revered beauty, focusing on the delicate and the ornate, and celebrating the gratification of the senses. Much of Rococo art portrays scenes from classical mythology with a delicacy lacking in Baroque art.
Some of the better known Rococo artists were Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, and Francois Boucher.

Το Ροκοκό ήταν η εξέλιξη της Μπαρόκ περιόδου. Αναπτύχτηκε στην Δυτική Ευρώπη από το 1700 έως το 1780. Η λέξη Ροκοκό προέρχεται από την Γαλλική λέξη που σημαίνει μικρός βράχος.
Το στυλ συχνά εμφανίζεται ως διακοσμητική τέχνη ( ταπισερί, έπιπλα και πορσελάνη) καθώς και άλλη τέχνη και αρχιτεκτονική. Είναι παιχνιδιάρικο, επιδειχτικό, και πολυτελές. Συχνά παίρνει ιδέες από τη φύση, περιλαμβάνοντας όστρακα, βράχους, αμπέλια και λουλούδια. Το Ροκοκό λάτρευε την ομορφιά, δίνοντας έμφαση στο λεπτεπίλεπτο ,τα στολίδια και γιορτάζοντας την ικανοποίηση των αισθήσεων. Τα περισσότερα έργα του παρίσταναν σκηνές από την κλασσική μυθολογία και τη λεπτότητα που έλειπε από την τέχνη του Μπαρόκ. Μερικοί από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες του Ροκοκό ήταν οι Αντουάν Βαττώ , ο Φραγκονάρ και ο Φρανσουά Μπουσέ.

Still life by Laskaris Charalampos

| |

Original oil on canvas Size : 60-80 cm

Require price

My favorite site

Romanticism- Ρομαντισμός

| |


In the early 1800s, the drama, struggle and emotion of Romanticism replaced the calm, order and sense of purpose of Neoclassicism. New interests in Exotic lands and travel fueled Romanticism. In France despair followed the Battle of Waterloo in 1815 and was reflected in art of the time. Artists painted soldiers fleeing the battlefield and scenes of death, despair and destruction. Painters chose scandalous and tragic subjects from the news of the day and transferred, in great detail and graphic emotion, these events to canvas.

Some of the better known artists of Romanticism are painters Theodore Gericault , Caspar David Friedrich and Delacroix.


Στις αρχές του 1800 , το δράμα, ο αγώνας και το συναίσθημα του Ρομαντισμού αντικατέστησε την ηρεμία, την τάξη και την αίσθηση του σκοπού του Νεοκλασικισμού .Νέο ενδιαφέρον για εξωτικές χώρες και ταξίδια έδωσαν ώθηση στο Ρομαντισμό. Στη Γαλλία ,τη μάχη του Βατερλώ το1815 , διαδέχτηκε η απελπισία κάτι που είχε αντανάκλαση στην τέχνη της εποχής. Οι ζωγράφοι διάλεγαν σκανδαλώδη και τραγικά θέματα από τα νέα της ημέρας και τα μετέφεραν με μεγάλη λεπτομέρεια στο μουσαμά.
Μερικοί απτούς πιο γνωστούς ζωγράφους του Ρομαντισμού ήταν οι ζωγράφοι Θέοντορ Γκέρικολτ,, ο Νταβιντ Φρίντριχ και ο Ευγένιος Ντελακρουά και ο Γκόγια.

Still life melon by Laskaris

| |

Original oil on canvas Size 60-80 cm

favorite site

Color mixing tips -Συμβουλές ανάμειξης

| |

All about color
In order to darken red , add alizarin crimson with a little blue or green with the edge of the brush.
Red is not lit by white because it turns into pink. You ought to combine alizarin crimson with cadmium red, orange and yellow to give an intense red. If you add white it becomes a cooler bright red.
For a pale green add a little thalo green to white. For a darker green add a little cobalt , thalo blue or ultramarine.
Although red , blue or green and brown may become darker with a little black but you may add another dark color like ultramarine to red and green or alizarin to blue. You may of course add black to a dark color. Yellow becomes dark with yellow ochre , but it is not a real yellow (oil green). Ochre becomes darker with burnt sienna and a little black. Add a little red, blue , or green to make black warmer ,or cooler. Excessive black can not be real, nor excessive white which looks like chalk.
Yellow is opposite ultramarine. So yellow darkens with a little ultramarine. Burnt umber and ultramarine mix into a dark grey, suitable for morning shades. The opaque cadmium orange and the opaque blue produce a neutral dark. Burnt sienna and ultramarine make a hue of burnt umber. Burnt sienna is the dark of cadmium orange. They give a neutral dark.
An opaque red and a transparent thalo blue produce a neutral color suitable for a tomato shade. Permanent rose and thalo blue are opposite in the color wheel and make good shades of early afternoon shades in the foreground. Alizarin crimson and thalo blue give a satisfactory violet with a little white. Ready violet gets darker with alizarin crimson, but brighter and cooler with cobalt blue and a little white. Violet is neither cool nor warm.
Thalo green is transparent. With a little white and light yellow it turns opaque and very strong. Oxide green is a relatively warm semitransparent.
Orange with cobalt blue produce a neutral color. Yellow and purple give a dark brown and not a neutral dark, or grey.
All the complementary colors (red -green, blue - orange, purple - yellow) produce neutral browns.
The real primary colors are : magenta-yellow-cyan. Mixing these colors you can make all the possible colors.
Red is opposite cyan and gives a neutral grey. Cobalt with orange also produce a neutral grey, like burnt umber and ultramarine. Dark yellow is brown. When cyan gets dark it becomes ultramarine like the sky. Prussian blue is black green and gives a dirty purple, but beautiful greens. Magenta is transparent, but unstable. It was replaced by permanent rose. Light yellow and medium yellow are opposite ultramarine, whereas cadmium yellow is opposite cobalt blue, and so is burnt sienna. Light yellow is opposite thalo blue in the color wheel.

Όλα για το χρώμα

Για να σκουράνετε το Κόκκινο προσθέσατε αλίζαριν κρίμσον με λίγο μπλε ή πράσινο με την άκρη του πινέλου.
Το κόκκινο δεν φωτίζεται με άσπρο γιατί δίνει ροζ . Πρέπει να συνδυάσετε αλίζαριν κρίμσον με κόκκινο καδμίου, πορτοκαλί και κίτρινο για ένα θερμό κόκκινο μεγάλης έντασης. Το ίδιο με άσπρο γίνετε πιο ψυχρό φωτεινό κόκκινο.
Για ένα χλωμό πράσινο προσθέσατε λίγο θάλο πράσινο σε άσπρο. Για πιο σκούρο πράσινο προσθέσατε λίγο κόμπαλτ, ή θαλομπλέ ,ή ουλτραμαρίνα.
Αν και το κόκκινο , μπλε ,το πράσινο και το καφέ μπορούν να γίνουν πιο σκούρα με λίγο μαύρo, προτιμήστε ένα άλλο σκούρο χρώμα όπως ουλτραμαρίνα στο κόκκινο, και πράσινο ή αλίζαριν στο μπλε. Μπορείτε βέβαια σε ένα σκούρο χρώμα να προσθέσετε μαύρο.
Το κίτρινο σκουραίνει προσθέτοντας ώχρα, αλλά δεν θα είναι πραγματικό κίτρινο. Το κίτρινο με το μαύρο δίνουν ένα βρώμικο πράσινο (λαδοπράσινο). Η ώχρα σκουραίνει με ψημένη σιέννα και λίγο μαύρο.
Προσθέσετε λίγο κόκκινο, μπλε, ή πράσινο για να κάνετε το μαύρο θερμότερο ,ή ψυχρότερο.
Το υπερβολικό μαύρο δεν μπορεί να είναι αληθινό ,ούτε πολύ άσπρο που μοιάζει σαν κιμωλία.
Απέναντι στην ουλτραμαρίνα είναι το κίτρινο. Έτσι το κίτρινο σκουραίνει με ουλτραμαρίνα. Οι ψημένη ούμπρα και η ουλτραμαρίνα ανακατεύονται σε ένα σκούρο γκρι, κατάλληλο για πρωινές σκιές . Το αδιαφανές πορτοκαλί καδμίου και το αδιαφανές μπλε δίνουν ένα ουδέτερο σκούρο. Η ψημένη σιέννα με την ουλτραμαρίνα δίνουν μία απόχρωση ψημένης ούμπρας. Η ψημένη σιέννα είναι το σκούρο του πορτοκαλί καδμίου. Η ψημένη σιέννα με την ουλτραμαρίνα δίνουν επίσης ένα ουδέτερο σκούρο.
Το αδιαφανές κόκκινο καδμίου με το διαφανές θαλομπλέ κάνουν ένα ουδέτερο χρώμα κατάλληλο σαν σκιά για ντομάτα .Το πέρμανεντ ροζ και το θαλομπλέ είναι αντίθετα στο χρωματικό τροχό και δίνουν τα σκούρα μπροστινών πλάνων νωρίς το απόγευμα. Το αλίζαριν κρίμσον και το θαλομπλέ με λίγο άσπρο δίνει ικανοποιητικό βιολετί. Το έτοιμο βιολετί σκουραίνει με αλίζαριν κρίμσον, και γίνεται πιο φωτεινό και ψυχρό με κόμπαλτ και λίγο άσπρο. Το βιολετί δεν είναι ούτε ψυχρό ,ούτε θερμό.
Τα θαλοπράσινο είναι διαφανές. Με λίγο άσπρο και ανοιχτό κίτρινο γίνεται αδιαφανές με μεγάλη ένταση. Το πράσινο οξειδίου είναι ένα σχετικά θερμό ημιδιαφανές πράσινο .
Το πορτοκαλί με το κόμπαλτ μπλε δίνουν ένα ουδέτερο χρώμα. Το κίτρινο και το πορφυρί δίνουν σκούρο καφέ και όχι ουδέτερο σκούρο ,ή γκρι.
Όλα τα αντίθετα χρώματα (κόκκινο-πράσινο, πορτοκαλί- μπλε, βιολετί- κίτρινο) δίνουν ουδέτερα καφέ.
Τα πραγματικά βασικά χρώματα είναι η ματζέντα, το κυανό και το κίτρινο. Η ανάμειξη τους παράγει όλα τα χρώματα.
Το κόκκινο είναι απέναντι στο κυανό με το οποίο δίνει ένα ουδέτερο γκρι. Το κόμπαλτ με το πορτοκαλί δίνουν επίσης ένα ουδέτερο γκρι ,όπως η ψημένη ούμπρα και η ουλτραμαρίνα. Το σκούρο κίτρινο είναι καφέ. Όταν το κυανό σκουραίνει γίνεται ουλτραμαρίνα ,όπως ο ουρανός. Το πρωσικό πράσινο είναι ένα μαύρο πράσινο που δίνει ένα βρώμικο πορφυρί ,αλλά ωραία πράσινα.
Η ματζέντα είναι διαφανής αλλά όχι σταθερή. Αντικαταστάθηκε από το πέρμανεντ ροζ .
Το ανοιχτό κίτρινο και το μεσαίο κίτρινο είναι απέναντι στην ουλτραμαρίνα , ενώ το κίτρινο καδμίου είναι απέναντι στο κόμπαλτ μπλε, όπως και η ψημένη σιένα. Το ανοιχτό κόκκινο είναι απέναντι στο θαλομπλέ.

Cumalikizik- Προύσα Τζουμαλικιζικ

| |

oil on canvas created in 2009
Size: 60-80 cm Require price

A dog at the pickle store - Το τουρσάδικο

| |

Οil on canvas Created in 2009

Size: 60-80 cm Require price

Baroque- Μπαρόκ

| |


The Baroque Style first appeared in Europe in the late 1500s. It remained the dominant style until the more relaxed an intimate Rococo period developed in the 1700s. The word baroque comes from the Portuguese word meaning “irregularly shaped pearl”. It was first used in the 17th century to describe something that did not meet the classical standards of the Renaissance. Baroque artists created art that was ornately decorated, dynamic and was filled with emotion. All available space an a canvas was filled with action, detail and movement.

The Baroque period was also a time of political and religious tension. Catholic authorities , alarmed by the Reformation ,wanted a style of art to draw people back to Catholic church. They felt that art of the period should have only one aim: to glorify the Catholic religion and make Catholic beliefs more popular . Paintings and other art created during this time were full of high drama and emotional appeal, portraying vivid images of Bible, saints, miracles and the crucifixion.

This flamboyant style was fuelled in another way as well. Many rulers and other important people paid for artworks to show off their own wealth and power. Baroque art, in general, was characterized by elaborate displays of grandeur. It reflected the contradictory forces and emotions of the time.

Some well-known Baroque artists were Caravaggio, Rubens, Velazquez and Rembrandt


Το στυλ Μπαρόκ εμφανίστηκε πρώτη φορά στην Ευρώπη στο τέλος του 15ου αιώνα.. Παρέμεινε το κυρίαρχο στυλ μέχρι που η πιο χαλαρή, φιλική περίοδος του Ροκοκό αναπτύχθηκε το 17ο αιώνα. Η λέξη Μπαρόκ προέρχεται από την Πορτογαλική λέξη που σημαίνει (ακανόνιστο μαργαριτάρι) . Χρησιμοποιήθηκε για πρώτη τον 17ο αιώνα για να περιγράψει κάτι που δεν ανταποκρινόταν στα κλασσικά στάνταρντ της Αναγέννησης. Οι καλλιτέχνες Μπαρόκ δημιούργησαν ένα έντονο διακοσμητικό ύφος , δυναμικό και γεμάτο με κίνηση ,λεπτομέρειες και κίνηση.

Το Μπαρόκ ήταν επίσης περίοδος πολιτικής και θρησκευτικής έντασης . Οι Καθολικές αρχές, αναστατωμένες από τη Μεταρρύθμιση , ήθελαν ένα στυλ τέχνης που να επαναφέρει το λαό πίσω στην Καθολική εκκλησία. Πίστευαν ότι η τέχνη αυτής της περιόδου θα έπρεπε να έχει ένα μόνο σκοπό, να δοξάζει την Καθολική θρησκεία και να κάνει τα Καθολικά πιστεύω περισσότερο δημοφιλή. Οι πίνακες που δημιουργήθηκαν αυτή τη περίοδο ήταν γεμάτοι από δραματοποίηση ,και παράσταιναν ζωντανές σκηνές από τη βίβλο, Αγίους, θαύματα και τη Σταύρωση.